Історія моди
Щоб зрозуміти культурний та історичний контекст, в якому працював той чи інший дизайнер, потрібно визначити, що таке “мода”. Париж був центром моди з XIX століття, коли Чарльз Фредерік Ворт (1826-1895) перетворив портновское майстерність у бізнес. До нього моду диктували замовниці, а кравці відвідували клієнтів на дому. Уорт змінив цей порядок. Він брав клієнток у себе в ательє, де дами повинні були вибирати з пропонованих моделей, а потім кілька разів приходити на примірку. Такий процес пошиття одягу отримав назву haute couture (буквально, висока якість пошиття). Уорт також почав влаштовувати вечірки і прийоми, на яких демонстрував нові моделі одягу на манекенах, що стало прообразом сучасних модних показів.
Одяг може вважатися haute couture, тільки якщо її пошили вручну в одному з одинадцяти паризьких Будинків моди, які входять до Синдикат високої моди. Кожен з цих Будинків зобов’язаний мати не менше двадцяти співробітників, що працюють в майстернях у Парижі, і представляти публіці як мінімум сімдесят п’ять нових моделей на рік. Кожен виріб повинен бути бездоганним як з особи, так і з вивороту, і ідеально підігнаним по фігурі клієнта. Причому, це правило поширюється не тільки на готову сукню, але і на його прототип, який шиється з простого мусліну.
Розкішна сукня “прекрасної епохи”: характерний силует того часу створює корсет, вигнутий у формі букви Б.
Моделі з колекцій дизайнерів високої моди неможливо проводити в масовому порядку, що призвело до виникнення моди prкt-а-porter. Французька федерація моди, преа-порте і модних дизайнерів об’єднує 92 інтернаціональних Будинку моди, які не відносяться до категорії haute couture. Удома ж високої моди як і раніше спираються на ручну працю вишивальниць, в’язальниць, швачок та інших фахівців, які реалізують ідеї кутюр’є.
Вишукані сукні початку XX століття, пошиття яких вимагав ретельної підгонки по фігурі, вийшли з моди, коли з’явилися яскраві екзотичні моделі паризького дизайнера Поля Пуаре (1879-1944). Під впливом екстравагантних костюмів і декорацій Російського балету в 1908 році Пуаре використовував тканини з яскравими малюнками і багато прикрашені тюрбани. Хітом колекції стали прямі сукні з завищеною талією. Російські балети Сергія Дягілєва, особливо “Шахерезада” (1910), декорації та костюми в східному стилі, які створив художник Лев Бакст, кардинально змінили естетичні пристрасті західного світу. Як за помахом чарівної палички жінки відмовилися від тісного корсета, і на зміну звабливим вигинів прийшов прямий силует. Правда, “кульгаві” спідниці Пуаре теж сковували рух: пересуватися в них можна було тільки дрібними кроками.
І тільки геніальна Габріель Коко Шанель (1883-1971) остаточно звільнила жінок від сковували рух нарядів початку XX століття і поклала початок сучасній моді. Завдяки роману з англійцем Артуром “Боєм” крапель Шанель закохалася у спортивний одяг. Капель допоміг Коко відкрити власне ательє. І скоро Шанель змінила наші уявлення про моду. За її словами, вимовлених в 1914 році, вона “була присутня при смерть розкоші”, яка знаменувала кінець “прекрасної епохи” і справжнє початок нового століття. Костюм-трійка від Шанель з жакета без коміра і лацканів, спідниці і пуловера з джерсі, який раніше використовували для пошиття чоловічої білизни, на багато років став невід’ємною частиною жіночого гардероба. Прості елегантні лінії одягу ідеально відповідали загальному захопленню спортом і яке з’явилося після війни культу тіла. Крім того, багатьом жінкам довелося відмовитися від прислуги, тому проста одяг, що не вимагає складного догляду, припала дуже до речі.
Авангардна для свого часу модель Поля Пуаре (1911).
Після Першої світової війни в суспільстві відбулися докорінні зміни. Багато чого з довоєнного життя пішло в минуле. Світ став свідком культурної революції: мистецтво впливало на моду, і те, що раніше вважалося авангардним, тепер стало загальноприйнятим. Наприкінці XIX і на початку XX століття активно розвивалося прикладне мистецтво. У період між 1903 і 1932 роком величезний вплив на дизайн тканини надали Віденські майстерні. Що працювали там майстри спочатку спеціалізувалися на виготовленні ексклюзивних тканин для оббивки меблів, але потім почали розробляти малюнки і для інших матеріалів. Поява в 1907 році шовкографії значно здешевило процес їх тиражування і дозволило налагодити масове виробництво тканин з модними принтами. Принти – невід’ємний елемент богемної моди. На початку XX століття їй слідували авангардні художники і письменники, а також усі інші вільнодумці, тому ця мода міцно асоціювалася в суспільній свідомості з художньої та сексуальної свободою. Хвилясті сукні, наприклад, з еклектичних колекцій, представлених в лондонському універмазі Liberty, на багато років стали альтернативою модному мейнстріму: від групи Блумсбері (елітарна група англійських інтелектуалів, письменників і художників, випускників Кембриджа, об’єднаних складними сімейними, дружніми, творчими відносинами) в 1920 – е до моди хіпі в 1960-е.
У середині 1920-х років в моду увійшов стиль “під хлопчика”: спідниці стали коротшими, вирізи – глибше, а лінія талії просто зникла. Художники-модерністи виступали за відмову від декоративності, що знайшло відображення в мінімалістському стилі маленького чорного плаття Шанель (1926) і простих лініях моделей паризьких дизайнерів Жана Пату (1880-1936) і Жанни Ланвен (1847-1946). Радикально проста мода 1920-х дала жінкам небачену досі свободу руху, хоча їм і доводилося носити гумові накладки, щоб зробити груди плоскою, як того вимагали вільні сукні з заниженою талією. Спідниці рік від року ставали все коротшими, поки не піднялися вище коліна в 1927 році. Одяг дозволяла продемонструвати загар і відмінну фізичну форму, отримані на тенісному корті чи гірськолижному схилі.
Актриса Адель Астер в мінімалістському “маленькому чорному платті” (1928).
Емансиповані панянки танцюють модний “теркітрот” на даху хмарочоса в Чикаго (1926).
Естетика модернізму вимагала, щоб досконалими були не тільки творіння людських рук, наприклад будівлі та автомобілі, але і жіночі тіла. Вільний одяг припала до смаку молодим емансипованих жінкам, які прагнули бути сучасними, користувалися косметикою і курили.
Мода на андрогінний силует і вільний одяг погубила багатьох паризьких кутюр’є, наприклад Крістофа фон Дреколла і Жака Дусе (1853-1929). Навіть Пуаре відчув, що його ідеї застаріли. Змінювалася сама концепція моди: вона перетворювалася на індустрію, орієнтовану на масового клієнта. У 1925 році Пату під час поїздки в Нью-Йорк найняв шість жінок для роботи манекенницями в Парижі. Це отримало широкий розголос і привернуло увагу американських модниць.
Ідеї ар-деко вплинули на обробку одягу і прикраси: в моді були вишивки та аплікації з мотивами уступів, сонячних променів і зигзагів. Художнє протягом ар-деко зародилося в Європі на початку XX століття, але популярність придбало тільки в 1925 році після Міжнародної виставки сучасних декоративних і промислових мистецтв у Парижі. На формування естетики ар-деко вплинуло як загальне захоплення мистецтвом Африки, Єгипту і Мексики, так і розвиток технологій “століття швидкості”, в тому числі авіації та автомобільної промисловості. Відкриття в 1922 році могили Тутанхамона помітно збагатило “лексикон” моди. Преса широко висвітлювала археологічну знахідку і в тому числі слова Говарда Картера про те, що, заглянувши в могилу, він “побачив приголомшливі речі”. У результаті публіка більше десяти років сходила з розуму по всьому “єгипетському”: від скарабеїв, змій і пірамід до ієрогліфів і сфінксів.
Століття машин приніс з собою інновації та нові матеріали, які спочатку застосовувалися в архітектурі та промисловому дизайні, але потім незмінно потрапляли в сферу інтересів модних дизайнерів. Пластмаса стала одним з культурних феноменів. XX століття, суттєво змінивши процеси виробництва, дизайну і споживання. З нового матеріалу шляхом нагрівання або пресування можна було отримувати вироби будь-якої форми. Революційну для свого часу технологію лиття з пластмаси стали використовувати для виробництва сумочок, гудзиків і брошок.
Комедійна актриса Фанні Брайс в сукні з заниженою талією з обробкою в стилі ар-деко (1925).
Декольтоване плаття з блискучого атласу від Скіапареллі втілює в собі стилістику кіногламур (1930).
У 1929 році Жан Пату запропонував жінкам подовжити спідниці і повернути лінію талії на колишнє місце. Цю ідею тут же підхопила Коко Шанель, і це різко змінило моду. “Милі малятка”, короткі спідниці і вільні звичаї минулого десятиліття зникли як за помахом чарівної палички. Новий силует швидко прийшов і до Америки, так що Голівуду довелося скласти на полицю безліч фільмів, героїні яких були одягнені в миттєво стали немодними короткі сукні.
Але в 1929 році “впали” не тільки подоли, але і біржові індекси. Люди в один день втрачали величезні стани. Крах Уоллстрит і політична невизначеність в Європі протверезили суспільство, що вплинуло і на моду. Жіночий силует став більш довгим і витонченим, на зміну спортивному стилю попереднього десятиліття прийшли жіночні вигини, підкреслені кроєм одягу. Портновское майстерність знову стало затребуваним. Ельза Скіапареллі (1890-1973) створювала одяг, яка поєднувала в собі ідеї авангардного мистецтва і естетику гламуру. Її візитною карткою були костюми бездоганного крою і моделі, що втілюють у собі художні ідеї дадаїстів: наприклад, светр з малюнком у вигляді банта, що створює ілюзію тривимірного зображення. Скіапареллі народилася в родині багатих інтелектуалів і була близько знайома з багатьма поетами, філософами і художниками. Серед її друзів були Сальвадор Далі, Мен Рей і Пабло Пікассо. Свою першу колекцію Скіапареллі випустила в 1929 році.
Роки Великої депресії стали “золотим віком” для Голлівуду. Кіно давало людям можливість на якийсь час забути про реальні проблеми. На екранах панували гламурні кінодіви Керол Ломбард і Мей Уест у вечірніх сукнях на бретелі навколо шиї, тісно облягають фігуру. Паризький дизайнер Мадлен Вионне (1876-1975) відмовилася від практики підгонки одягу по фігурі і створила техніку драпірування, поєднуючи деталі, скроєні по прямій і по косій. Дизайнер Гілберт Адріан (1903-1959) використовував дану техніку при створенні костюмів для фільму “Вечеря у вісім” (1933). Скроєні по косій вечірнє плаття з відкритою спиною, в якому в цій картині з’явилася світловолоса секс-бомба Джин Харлоу, вивело паризьку високу моду на масовий ринок і зробило популярним білий шовк і атлас будуаров світських левиць. Адріан, який займав пост головного дизайнера в кінокомпанії Metro Goldwin Mayer з середини 1920-х, в 1941-му покинув його, щоб відкрити в Лос-Анджелесі власний бутік, де були представлені колекції готового одягу і моделі на замовлення. Завдяки костюмам з трикотажу з геометричним малюнком і лаконічним драпірованим вечірнім сукням Адріана Голівуду вдалося потіснити Париж і стати законодавцем мод.
Літні сукні з колекції Клер Маккарделл, піонера американського спортивного стилю (1946).
Наприкінці 1930-х в моду знову увійшов романтизм. Плаття на кріноліні, створене для королеви Єлизавети II придворним дизайнером Норманном Хартнелом (1901-1979) для державного візиту в Париж в 1938 році, і костюми героїв фільму “Віднесені вітром” (1939) стали помітними знаками повернення жіночності. Але незабаром у розвиток моди втрутилася Друга світова війна. У Європі та США жінок почали закликати на військову службу, тому військова форма стала звичної повсякденної одягом, а в дизайні громадянського сукні використовували багато практичні елементи армійського обмундирування. Силует придбав форму перевернутого трикутника: короткий жакет з квадратними плечима і вузькими вилогами доповнювала пряма спідниця довжиною трохи нижче колін зі складкою ззаду для свободи руху. У 1942 році Британська торгова комісія випустила наказ, який забороняв використовувати накладні деталі при виробництві цивільного одягу. Аналогічні нормативи були прийняті і в США.
Американська модна індустрія сильно відрізнялася від французької. У США не було традиції ательє, і коли в 1940-і зв’язок між країнами перервалася через німецької окупації, американські дизайнери створили власний стиль – “американський спортивний”. Ключову роль у створенні нового стилю зіграли Клер Маккарделл (1905-1958) і Норман Норелл (1900-1972), що працювали на бізнесвумен Хетті Карнегі (1889-1956), автора словосполучення “карколомний спортивний костюм”. Для виготовлення модного одягу в спортивному стилі використовували інноваційні матеріали і технології крою. Готове плаття стало основою модної індустрії, і Європа швидко перейняла цю нову модель модного бізнесу після закінчення війни. Так як паризькі кутюр’є були змушені призупинити свою роботу – хоча Люсьєн Лелонг (1889-1958) і залишався президентом Паризького синдикату високої моди з 1937 по 1946 рік, американські дизайнери Мейнбохер і Чарльз Джеймс отримали можливість заповнити нішу люксової моди. Мейнбохер (Мейн Руссо Бокер (1891-1976), перший американський дизайнер, який відкрив своє ательє в Парижі (в 1930 році), на початку війни повернувся в США. Його твори відрізнялися простотою, стриманістю, елегантністю і виключно високою ціною. Не менш шикарними були та роботи Чарльза Джеймса (1906-1978), який заснував власний бізнес в Нью-Йорку в 1945 році. Правда, Джеймс створював швидше твори мистецтва, ніж одяг, який можна було носити. Дизайнер йшов наперекір спортивної естетиці американської моди і створював конструктивно складні моделі, як, наприклад, знамениту сукню “Лист конюшини з чотирма пелюстками” (1953) з щільного блискучого атласу кольору слонової кістки на жорсткому каркасі.
Актриса Джоан Кроуфорд в ефектному плаття від Адріана (1946).
У 1947 році, коли за фінансової підтримки текстильного магната Марселя Буссака паризький дизайнер Крістіан Діор (1905-1957) представив свою колекцію Corolle line, війна вже закінчилася, але їжу та одяг все ще продавали за картками. Про колекції писали не тільки модні журнали, а й звичайна преса. Кармел Сноу, редактор Harper’s Bazaar, назвала стиль, запропонований Діором, New Look – новий образ. Протягом наступних десяти років – до своєї передчасної кончини – Діор залишався одним з головних творців моди і був у центрі уваги преси. У своїй автобіографії “Діор про Діор” (1957) дизайнер написав: “У сучасному світі висока мода залишається однією з останніх територій чарівництва… не потрібно, щоб висока мода була доступною для всіх: важливо, щоб вона існувала і ми відчували її вплив”.
Всупереч післявоєнним обмеженням New Look Діора був втіленням жіночності і шику. Пишні спідниці довжиною до середини ікри з жорсткими нижніми спідницями і стягуючі пояси повернули моду на силует “пісочний годинник”. Діор відмовився від обсягу в області плечей, зате збільшив обсяг стегон. В результаті вийшов перебільшено жіночний силует, який багато критики визнали реакційним, тому що цей одяг здавалася мало придатною для роботи.
New Look зробив величезний вплив на розвиток моди і допоміг Парижу повернути статус світового центру моди. У США ідеї New Look стали основою для стилю Sweetheart line-“кохана дівчина”.
(1 votes, average: 5.00 out of 5)